每每看到時裝秀上，模特們穿著設計奇葩的衣服一本正經地走貓步，我們難免會想，這么不切實際的衣物設計出來到底是干什么使的？到底想不想讓人穿啊？時裝秀的畫風是怎么發展成我們越來越看不懂的凌亂狀態，這些奇裝異服的存在又到底是怎么回事？

　　400年間時尚潮流由洋娃娃傳遞

　　說起時裝秀，不得不說的一個城市，巴黎。1391年,法國王后伊莎貝拉用木材和黏土制成真人大小的人體模型，穿上新穎的宮廷服裝，作為禮物贈送給英國王后安妮。這種玩偶當時被稱為“時裝玩偶”，它與今天陳列在時裝店的人體模型已經十分相似了。

　　此后400多年間，“時裝玩偶”在歐洲盛行，逐漸成為禮儀風俗。19世紀在美國和英國還先后舉辦了玩偶時裝展，被認為是現代時裝表演的前身。

　　19世紀40年代，“高級時裝之父”查爾斯·沃斯把模特從玩偶換成了真人，取得了良好的推銷效果。

　　1900年,巴黎時裝協會主席帕奎夫人在巴黎舉辦龐大的時裝展示會，把當時模特展示的場地從平地移到了舞臺上，為正規化時裝表演開了先河。

　　時裝勾搭上了藝術就開始凌亂了

　　說了半天服裝模特的歷史，其實重點是，你現在頻繁看到的“出乎意料”的服裝設計，也不是近來才有。那些頗具創新思維和藝術性的設計風格在上世紀30年代就有了。比如，打破藝術與時裝的隔墻的超現實主義服裝設計。

　　超現實，核心就是脫離現實，強調人下意識或無意識活動，要感性，不要理性。這種放飛腦洞、不循規蹈矩的新思潮很快影響了時裝業，如服裝界超現實主義創始人艾爾薩·夏帕埃里。隨后戰爭的到來阻斷了夏帕埃里的工作，戰后她很快也宣告退休。

　　此后很長一段時間都沒有設計師愿意挑戰她創下的輝煌，與此同時，超現實主義這種藝術流派在戰后也因領導者的去世而式微。

　　戰后，各種藝術風格應運而生，野獸派、未來派、立體派、抽象派等等，時裝面貌越來越紛繁復雜。

　　為什么時裝秀上的造型越來越荒謬？

　　最近這些年，時裝表演形式更加進入多元化發展時期，秀場上出現越來越多讓人捉摸不透的藝術性設計。

　　那是因為時裝秀不再像它剛開始那樣只是單純地營銷要賣出去的服裝，更多的是偏向藝術上的審美和創新，而不是實用性功能。

　　每個季度展出的系列都會有特定的主題，當秀結束以后，這些東西會被時尚界人士轉化成能穿的款式，在成衣店或商場里售賣。T臺上那些服裝的顏色、面料和大概的審美會保留，但那些怪異的特點會被砍掉。

　　當然，這些不實用的服裝還是會等到第一個吃螃蟹的人的，那就是明星或者巨富，偶爾會穿著設計夸張的服裝出現在公眾面前。

　　就算某個秀上的服裝款式真是雷死人不償命，時尚媒體也不會有什么針對這個設計師的不好言論——品牌都是各時尚雜志的大金主。這樣一來，設計師在盡情揮灑自己的才華進行藝術創作的時候，還會有什么顧忌呢？于是越來越多瘋狂的設計出現在秀上。

　　再說了，時裝周里，看秀的時尚界人士一天跑了七八場秀是正常的事，如果場場秀都是正常實用的衣服，看個兩天就看吐了，這個時候你就會覺得給模特頭上戴個水桶的設計師是多惹人愛了。